Horacio Carrena nació en Buenos Aires el 28 de Enero de 1955. En 1978 se recibió de Profesor Nacional de Dibujo y Pintura, egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredon” de Buenos Aires. Expone desde 1979.
En una entrevista exclusiva con el SIC recorre su obra y proyectos.
¿Cómo te iniciaste en el arte plástico? ¿Cuál es tu formación artística?
Siempre desde chico me había interesado todo lo relativo al arte en general. Hasta mi adolescencia estudie música toque en varios conjuntos de jazz. Antes de terminar el secundario, conocí a un profesor de dibujo, que me hizo descubrir el vasto campo de las artes visuales. Ahí me decidí, entre en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredon. Tuve la suerte de tener a muy buenos artistas de profesores como Ary Brizi, Miguel Angel Vidal y Carlos Silva, que me hicieron conocer la abstracción geométrica y la pintura generativa. Cuando termine la escuela, ya empecé a presentar mi obra en premios y salones en el país y en el exterior. Todavía no tenía un estilo propio, estaba muy influenciado por el aporte de estos artistas.
¿Porque te interesaste la signografía? ¿Qué nos podes contar al respecto?
Como te decía anteriormente, en los primeros años mi obra era una abstracción geométrica que se basaba principalmente en la luz. Eran obras muy elaboradas en forma y color, con diferentes planos en donde estaba muy marcado el contraste entre luz y sombra. Pero con el tiempo, esta geometría tan racional no me decia nada. Me sentía como muy superficial y no captaba la energía del cielo y de la tierra. Surgió entonces una época de crisis, entendida como cambio, donde pase por varias imágenes (hasta un corto periodo de paisajes figurativos), buscando algo donde poder elaborar otra imagen más profunda. Es así, que un pintor amigo me mostro unos libros con pinturas y signos de los mayas y aztecas. Me interesaron mucho y estuve varios años investigando en estos signos. Me parecen muy plásticos y expresivos. Las primeras obras eran escrituras en color de esta signografía, pero con el tiempo, empecé a hacer una síntesis de los que más me interesaban y a combinarlos entre sí. Fueron surgiendo obras que llamo nuevos paisajes que aunque son abstractos tienen mucha relación con el entorno natural que rodea al hombre igual que rodeo a los pueblos originarios hace 1000 años. Seguí con estas elaboraciones y con el tiempo y el trabajo, puedo decir que actualmente se me han incorporado a mi expresión ya no son signos ancestrales que copio, sino que estos me dieron una base para lograr un estilo propio. Trabajo muy libremente y me dejo guiar a donde me va llevando la obra.
¿Cuáles fueron tus hitos en el arte? ¿Cómo te atraviesa el arte en la vida cotidiana?
-Creo que en estos casi 35 años de carrera, he tenido muchos momentos alegres donde mi obra fue reconocida y otros momentos difíciles y duros que me han sacado las ganas de seguir. La vida del artista se ve en la historia, siempre fue difícil. Siempre hay altibajos, algunos duran más y otros menos, pero si la vocación es verdadera como sea, vas a seguir. Imaginemos a los artistas rusos y alemanes que les toco la segunda guerra mundial lo que tuvieron que pasar. El gran pintor Marc Shagall le decía a un alumno: “tene un trabajo fijo porque en el arte los periodos buenos duran poco.” Joan Miro tuvo su taller recién a los sesenta años y en España recién lo empezaron a considerar unos años antes de morir. Así te podría contar muchísimas historias. Me puse muy contento cuando mi obra fue aceptada en concursos nacionales e internacionales, también en los premios que gane y en importantes proyectos que me han convocado como el proyecto Hoteles de Arte. Fui seleccionado para intervenir una habitación en una cadena de estos hoteles en la costa española, donde tendré una exposición permanente y el diseño de la llave que la llevara cada huésped que se aloja. Pero te digo que lo que más me hace sentir bien es cuando tanta gente que tiene obra mía, me ha dicho que se sentían muy bien al verlas y hasta una persona me dijo que había colgado un cuadro mío en el dormitorio y el mirar esa obra le ayudaba a levantarse. Creo que el artista tiene una función social. El tema es que en esta época inmundamente económica ya se trastoco todo…
¿Cuáles son las obras más emblemáticas desde tu punto de vista?
Yo trabajo por series. El desarrollo del signo es la base, pero según que material o técnica use van surgiendo las diferentes series y etapas. Pienso que se podrían sacar un par de obras de cada serie que mas la representan. A medida que vas trabajando van surgiendo las obras y de repente ves que hay algunas que en sí mismas logran expresar lo que yo quiero. Esas obras son las principales y resumen todo. Luego paso a otra serie, pero con el tiempo después puedo volver a la anterior, nunca dejo cerrado nada.
¿Participas de muestras, exposiciones o talleres?
Si, participo mucho en exposiciones en el país y en el exterior. El tema del internet me ayudo mucho a que la obra fuese conocida en todo el mundo. Estoy en más de 10 galerías on line, y en la galería promo-arte en Tokio que me maneja la obra hace 5 años. También intervine un robot de carton para el MUBE en San Pablo, y el año pasado seleccionaron mi obra en el proyecto Sueños. Se filmaron las obras y se pasaron en el Festival de Cine y Artes en Nueva York.
¿Dónde te sentís más cómodo: con el dibujo o la pintura? ¿Porqué? hemos visto que el grabado también te moviliza mucho,,,¿que nos podés en relación a esto?
En general trabajo en todos los medios. Desarrollo las obras en forma paralela. Por ejemplo: estoy pintando un cuadro grande, lo dejo, termino un dibujo que empecé. Recién ahí veo la posibilidad de hacer un fondo para otra cosa lo hago. Yo no creo en los límites entre pintor o escultor. El signo es tan fuerte que en todos los soportes y técnicas que me interesen lo aplico. También hice una serie de pequeñas esculturas en piedra y madera. Actualmente, estoy desarrollando mucha obra en papel y en pintura empecé una serie que se llama Telares Rotos y se basa en los diagramas de los tejidos indígenas.
¿Cómo son los momentos de creación?
Picasso decía 95 % de transpiración y 5% de inspiración .Cuando comencé con los signos hacia muchísimos bocetos antes de empezar cada obra. Todavía no estaba seguro y esta era una forma de llegar a la imagen que quería más tranquilo. Ahora solo realizo un esbozo previo y empiezo a desarrollar la imagen sobre la obra misma. Creo que muchas imágenes me han surgido trabajando, investigando técnicas y materiales. Por eso lo de Picasso, puede estar la idea, pero después cuando hay que plasmarla viene el problema. Empieza la resistencia del material y ahí esta la destreza o no del artista para lograr lo que se quiere.
¿Cuáles son los próximos desafíos?
Mi idea es seguir desarrollando esta temática a ver a donde llego. Seguir explorando los materiales y los signos. También estoy agregando nuevas tecnologías como al arte digital y la electrografía que están abriendo nuevas posibilidades para la imagen. Como idea final quería agradecer a Dios por esta vocación y a mi familia por la ayuda que me dieron siempre y rescatar una frase de Santa Teresita que dice: si no existirían los artistas en el mundo, el mundo moriría.
